Giovanni Ozzola
La Vida y la Muerte Me Están Desgastando
18.09 – 18.12.2025
Presentando obras realizadas con una amplia variedad de medios, incluyendo video, fotografía, performance y escultura, la exposición reúne varios de los intereses fundamentales en la práctica de Giovanni Ozzola, dándoles un nuevo significado. Temporary Structure, obra en video, se configura como un monumento visual, un tributo a las cosas destinadas a desaparecer. Durante algunos minutos, nos transporta a distintos lugares del mundo. La obra revela la realidad individual y colectiva como una inmersión total en una estructura temporal, un entorno tan denso y envolvente como frágil, que moldea y deja huellas en nuestra existencia, pero que está destinado a extinguirse. En ausencia de cualquier punto cardinal, en la oscuridad, ¿qué nos queda? Durante una performance, las manos de una mujer trazan nuevas líneas sobre una losa de pizarra. Mediante un lenguaje instintivo y ancestral, cada incisión crea una nueva ruta de destino incierto, nuevos caminos que seguir cuando nuestro sistema de referencia habitual, ya agotado, solo nos deja la posibilidad de saltar al vacío. A nuestra disposición, solo queda nuestro tono único y las huellas del tiempo, elementos presentes en la campana náutica que, en su vida pasada, marcaba la posición de un barco en la inmensidad del mar. Frente a nosotros, se despliegan infinitas direcciones posibles. Sumidos en esta incertidumbre, el impulso hacia un nuevo horizonte se enfrenta al miedo de abandonar nuestra zona de confort, una tensión dual que aquí está simbolizada por las imágenes en las paredes. En estas obras, el punto de vista está sumergido en una estructura pesada, un búnker lleno de marcas de spray, desde el cual una abertura permite ver dónde se encuentran el cielo y el agua. Este espacio, visualmente ruidoso pero al mismo tiempo sereno y expansivo, parece invitarnos a salir del propio refugio interior, la seguridad estrecha del espacio cerrado, y fundirse con el horizonte, un lugar lejano en el que simplemente sentirse presente. La exposición de Ozzola se presenta como un organismo vivo, un símbolo complejo de la experiencia, en el que cada obra alcanza sentido en relación con las demás, proyectando una visión de regeneración, un viaje sin fin.
Texto por Giorgia Gigliola
Life and Death Are Wearing Me Down
Presenting works created through a wide variety of media, including video, photography, performance and sculpture, the exhibition gathers several long-standing interests in Giovanni Ozzola’s practice, releasing them into a renewed significance. Temporary Structure, a video work, stands as a visual monument, a tribute to the things destined to vanish. For a few minutes, we are transported to different places around the world. The work unveils both individual and collective reality as a total immersion in a temporary structure—an environment that is as dense and enveloping as it is fragile, shaping and etching our existence only to ultimately fade away. In the absence of any cardinal points, in the dark, what are we left with? During a performance, a woman’s hands draw new lines on a slate. Through an instinctive and ancestral language, each scratch traces a new course with an uncertain destination, new paths to follow when the conditions of our habitual reference systems, now depleted, leave us no choice but to leap into the void. All we have is our own tone and the impressions left by time, elements made present by a nautical bell which once marked the position of a ship in the vastness of the sea. In front of us, infinite directions unfold. Immersed in this uncertainty, the urge to move towards a new horizon struggles with the fear of leaving our comfort zone, a duality embodied by the images on the walls.These photographs place the viewer within a heavy, enclosed structure, a bunker marked with spray-painted graffiti. From this space, an opening allows a glimpse of where sky and sea meet. This visually saturated yet calm and expansive environment invites us to step beyond the confines of our inner refuge, the narrow safety of the interior space, and merge with the horizon, a distant place where one might finally feel present. Ozzola’s exhibition appears as a living organism, a composite symbol of experience in which each work resonates with the others, ultimately offering a vision of regeneration, an endless journey.
La Vida i la Mort m’Estan Esgotant
Presentant obres creades amb una gran varietat de mitjans, incloent vídeo, fotografia, performance i escultura, l’exposició reuneix diversos dels interessos centrals en la pràctica de Giovanni Ozzola, i els projecta amb un nou significat. Temporary Structure, una obra en vídeo, es configura com un monument visual, un homenatge a les coses destinades a desaparèixer. Durant uns minuts, ens transporta a diferents llocs del món. L’obra revela la realitat individual i col·lectiva com una immersió total dins d’una estructura temporal, un entorn tan dens i embolcallador com fràgil, que modela i marca l’existència abans d’extingir-se. En absència de punts cardinals, en la foscor, què ens queda? Durant una performance, les mans d’una dona dibuixen noves línies sobre una llosa d’esquist. Amb un llenguatge instintiu i ancestral, cada esgarrapada traça una nova ruta amb un destí incert, nous camins a seguir quan el nostre sistema de referència habitual, esgotat, ja no ens permet res més que fer un salt al buit. Només disposem del nostre to únic i de les empremtes del temps, elements evocats per la campana nàutica que, en la seva vida anterior, indicava la posició d’un vaixell en la immensitat del mar. Davant nostre, s’estenen infinites possibilitats de direcció. Immersos en aquesta incertesa, l’impuls cap a un nou horitzó lluita contra la por d’abandonar la nostra zona de confort, una dualitat representada per les imatges penjades a les parets. Aquestes obres situen el punt de vista dins una estructura pesant, un búnquer ple de marques de pintura en esprai, des del qual una obertura deixa entreveure l’horitzó on es troben el mar i el cel. Aquest espai, visualment saturat però calmat i immens, sembla una invitació a sortir del refugi interior, la seguretat estreta de l’espai tancat, i fondre’s amb l’horitzó, un lloc llunyà on senzillament poder sentir-se. L’exposició d’Ozzola es presenta com un organisme viu, un símbol complex de l’experiència, on cada obra es completa amb les altres per oferir una visió de regeneració, un camí sense fi.
Performance
The Lake of Unknown
Jueves 18.09 a las 19:30 h
The Lake of Unknown de Giovanni Ozzola dará vida a una exposición dentro de la exposición, un proceso en transformación donde la obra no se presenta como un resultado cerrado, sino como una búsqueda en constante devenir. A las piezas exhibidas se sumará una nueva obra que emergerá de una performance realizada el jueves 18 de septiembre, en un diálogo continuo entre materia, gesto y tiempo. En la penumbra de un espacio suspendido, fuera del tiempo, un hombre se acerca a una piedra de pizarra. Sus manos, guiadas por la conciencia de la materia, comienzan a dibujar signos en la superficie oscura. Cada incisión es una herida luminosa en la noche mineral, cada trazo, una ruta hacia lo desconocido. El sonido de la piedra rasgada llena el aire, un eco primigenio que resuena en la memoria colectiva. Como un navegante de lo intangible, el performer sigue un impulso profundo, trazando caminos que recuerdan mapas perdidos, signos de un lenguaje arcaico que parece emerger de las primeras expresiones de la conciencia humana. La piedra negra se convierte en testigo de una obsesión, de la necesidad ancestral de dejar huella, de inscribir la existencia en la materia y en el tiempo. Es el mismo impulso que ha guiado a exploradores y soñadores, a quienes han seguido la llamada de lo desconocido hasta los confines del mundo. Cada surco es un paso hacia el misterio, un diálogo entre la mano y la memoria de la tierra. El performer continúa, incansable, mientras las marcas se multiplican y el sonido de la pizarra se confunde con el latido del corazón, con la respiración del mar, con la voz de aquellos que buscan sin cesar. Así, entre la sombra y la luz, entre el signo y el silencio, se dibuja la geografía de un viaje interior: un mapa del descubrimiento y la pérdida, de la belleza y el tiempo, de lo humano y lo cósmico.
Català
The Lake of Unknown de Giovanni Ozzola donarà vida a una exposició dins l’exposició, un procés en transformació on l’obra no es presenta com un resultat tancat, sinó com una recerca en constant devenir. Les peces exposades s’hi afegirà una nova obra que sorgirà d’una performance realitzada el dijous 18 de setembre, en un diàleg continu entre matèria, gest i temps.
En la penombra d’un espai suspès, fora del temps, un home s’acosta a una pedra de pissarra. Les seves mans, guiades per la consciència de la matèria, comencen a dibuixar signes sobre la superfície fosca. Cada incisió és una ferida lluminosa en la nit mineral, cada traç, una ruta cap a l’inconegut. El so de la pedra esquinçada omple l’aire, un eco primigeni que ressona en la memòria col·lectiva.
Com un navegant d’allò intangible, el performer segueix un impuls profund, traçant camins que recorden mapes perduts, signes d’un llenguatge arcaic que sembla emergir de les primeres expressions de la consciència humana. La pedra negra esdevé testimoni d’una obsessió, de la necessitat ancestral de deixar empremta, d’inscriure l’existència en la matèria i en el temps.
És el mateix impuls que ha guiat exploradors i somiadors, aquells que han seguit la crida de l’inconegut fins als confins del món. Cada solc és un pas cap al misteri, un diàleg entre la mà i la memòria de la terra. El performer continua, incansable, mentre les marques es multipliquen i el so de la pissarra es confon amb el batec del cor, amb la respiració del mar, amb la veu d’aquells que cerquen sense aturador. Així, entre l’ombra i la llum, entre el signe i el silenci, es dibuixa la geografia d’un viatge interior: un mapa del descobriment i la pèrdua, de la bellesa i el temps, de l’humà i el còsmic.
Eng
The Lake of Unknown by Giovanni Ozzola will give life to an exhibition within the exhibition, a process in transformation where the work is not presented as a finished result but as a search in constant becoming. The exhibited pieces will be complemented by a new work that will emerge from a performance held on Thursday, September 18th, in a continuous dialogue between matter, gesture, and time. In the half-light of a suspended space, outside of time, a man approaches a slate stone. His hands, guided by an awareness of the material, begin to draw signs on the dark surface. Each incision is a luminous wound in the mineral night, each stroke a route into the unknown. The sound of the scraped stone fills the air, a primordial echo resonating in the collective memory. Like a navigator of the intangible, the performer follows a deep impulse, tracing paths that resemble lost maps, signs of an archaic language that seems to emerge from the earliest expressions of human consciousness. The black stone becomes witness to an obsession, to the ancestral need to leave a mark, to inscribe existence into matter and time. It is the same impulse that has guided explorers and dreamers, those who have followed the call of the unknown to the ends of the earth. Each groove is a step toward mystery, a dialogue between the hand and the memory of the earth. The performer continues, tireless, as the marks multiply and the sound of the slate merges with the heartbeat, with the breath of the sea, with the voice of those who ceaselessly search. Thus, between shadow and light, between sign and silence, the geography of an inner journey is drawn: a map of discovery and loss, of beauty and time, of the human and the cosmic.