ENG
Martin Galle
All About Nothing
10.01.2026 / 28.02.2026
Martin Galle, born 1981, Leipzig, Germany, studied at the Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) Leipzig and was a Master Student under Neo Rauch from 2008 to 2010. He lives and works in Leipzig.
Known for his naturalistic and sensitive paintings, Galle also explores a fusion of various painting techniques and styles, merging traditional methods with contemporary pop-cultural themes. This creates an intense dialogue between different time periods and artistic traditions.
His works have been shown in prominent international exhibitions, including Taipei, Los Angeles, New York, Seoul, Athens, and Leipzig. Notable exhibitions include Natural Feeling (2025, Tapetenwerk Leipzig), The Essence of Existence (2023, AKI Gallery, Taipei), and Firework Show (2011, artlab21 Foundation, Los Angeles).
Martin Galle masters the painterly spectrum from figuration to abstraction. In his work, traditional, classical painting techniques merge with timeless advertising poster aesthetics and observations of nature.
The sources of inspiration for his paintings are multifaceted. It is the banal, sometimes absurd aspects and encounters of everyday life which, when filtered, transformed through new compositions, and combined with the interplay of light and shadow, acquire a peculiar new form, even a new meaning.
His numerous depictions of nature and landscapes, as well as portraits—which for him also include all representations of animals—are emotional expressions of states, inspired by fairy-tale films and childhood memories of circus visits—or observed by the artist and staged as if by a director.
They are direct, felt encounters, sometimes only a moment in which a thought becomes the impetus for artistic creation. Here, his awareness of the fleetingness of time and his play with symbolism and attribution is reflected. In his ongoing series of horse depictions, he not only caricatures the cosmos of the entire “horse-kitsch” world—seen in posters, clothing, and various objects—but simultaneously questions our relationship to nature and history.
Through his often larger-than-life portrayals, he elevates the animal to a new anti-icon in a society that has lost a true connection to nature. As with most of his portraits, they usually challenge the viewer through a direct gaze. The observer becomes the observed. One cannot help but feel addressed.
DE
Martin Galle
Alles über nichts
10.01.2026 / 28.02.2026
Martin Galle, geboren 1981, Leipzig, Deutschland, studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst (HGB) Leipzig und war von 2008 bis 2010 Meisterschüler bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig.
Galle ist bekannt für seine naturalistischen und sensiblen Gemälde, in denen er traditionelle Maltechniken mit zeitgenössischen popkulturellen Themen verbindet. Dies führt zu intensiven Dialogen zwischen verschiedenen Zeitebenen und künstlerischen Traditionen.
Seine Arbeiten wurden in internationalen Ausstellungen gezeigt, unter anderem in Taipeh, Los Angeles, New York, Seoul, Athen und Leipzig. Zu den bedeutenden Ausstellungen zählen Natural Feeling (2025, Tapetenwerk Leipzig), The Essence of Existence (2023, AKI Gallery, Taipeh) und Firework Show (2011, artlab21 Foundation, Los Angeles).
Martin Galle beherrscht die malerische Bandbreite von Figuration bis Abstraktion. Bei ihm verschmelzen traditionelle, klassische, Malweisen mit zeitübergreifender Werbeplakat-Ästhetik und Naturbeobachtungen.
Die Inspirationsquellen für seine Malereien sind vielschichtig. Es sind die banalen, manchmwal absurden Dinge und Begegnungen des Alltäglichen, die herausgefiltert, durch neue Kompositionen und durch Zusammenspiel mit Licht und Schatten eine eigentümliche neue Form, gar eine neue Bedeutung erlangen.
Seine zahlreichen Natur- und Landschaftsdarstellungen als auch Portraits, zu denen für ihn ebenso alle Tierdarstellungen zählen, sind emotionale Zustandsbeschreibungen, die von Märchenfilmen und Erinnerungen an Zirkusbesuche in der Kindheit inspiriert – oder vom Künstler beobachtet und wie von einem Regisseur inszeniert worden sind.
Es sind direkt gefühlte Begegnungen, manchmal nur ein Moment, in dem ein Gedanke Anlass zur künstlerischen Umsetzung wird. Hier spiegelt sich sich sein Bewusstsein für die Flüchtigkeit der Zeit und sein Spiel mit Symboliken und Zuschreibungen. In seiner anhaltenden Bildserie von Pferdedarstellungen karikiert er nicht nur den Kosmos der gesamten Pferdekitsch-Welt, die in Form etwa von Postern und Pferdedarstellungen auf Kleidung und anderen Dingen vielfältig zu sehen ist, sondern hinterfragt gleichsam unser Verhältnis zu Natur und Geschichte.
Durch seine oftmals überlebensgroßen Darstellungen überhöht er das Tier zur neuen Anti-Ikone einer Gesellschaft, die den wirklichen Bezug zur Natur verloren hat. Meist fordern sie, wie auch bei den meisten anderen Portraits, den Betrachter durch den direkten Blick heraus. Der Betrachter wird zum Betrachteten. Man muss sich angesprochen fühlen.
ENG
Text: Evelina Rapti-Stavrou
Death begins with life
Life marks the first of two thresholds. Born to die, is it all about nothing?
In his eponymous solo exhibition at Suburbia Contemporary, Martin Galle turns to the two certainties of human existence: life and death. Spanning two floors, the Leipzig-born painter focuses on the familiar, employing subjects such as floral still lifes and human or animal figures to form quiet yet incisive reflections on the world he depicts.
Alongside his naturalistic, sensitively painted works rooted in classical tradition, Galle also creates paintings in which different techniques and styles meet and blend. Established painterly vocabularies encounter contemporary pop-cultural references, opening dialogues across history and culture. With sustained attentiveness, Galle moves between observing life and contemplating death through colour and line, producing images that merge tactile softness with disruptive contrast and reveal an ongoing engagement with symbolism and attribution associated with Leipzig’s painterly tradition.
Flower arrangements, particularly roses, recur throughout the ground level. Lush and vividly coloured, yet still, they are presented in ordinary vessels like vodka glasses and cans, anchoring the compositions in the everyday. Longstanding cultural symbols of allure, flowers operate here as figures of vitality and eroticism. In psychoanalytic theory, most notably in Freud, Eros is understood as a fundamental drive of human existence. The classicising term refers to the ancient deity of erotic love, situating desire, understood as a force of creation, within the divine, tracing back to Western antiquity. In such, Galle’s floral imagery alludes to Eros as the precondition of life itself. Some compositions are set against distilled backdrops referencing editorial photography, positioning appeal within contemporary visual regimes. Both the contrast of colours, styles and the obvious irony of celebrating life through the vibrant beauty of a fading bloom unfold the interdependence of life and mortality.
The two human destinies are practically mutually exclusive; a being is or isn’t. Within the human experience, they relate in interesting ways. Empirically we can say, it is mostly the living who concerned themselves with death. Its inevitability shapes our understanding of what it means to be alive.
The paintings in the upper part of the exhibition reflect Galle’s mundane encounters with mortality and its contemplation. Perhaps the most immediate example is an image of a deceased bird, held into the artist’s hand. The small creature appears even more vulnerable lying in stillness, inevitably evoking the fragility of life. The blunt realism of the background and the tender gesture depart from traditional still life conventions and suggest a kind of attachment, rendering the lifeless bird into a subject through emotion.
Some works depict resting animal and human figures whose serenity in sleep recalls the quietude of death while also foreshadowing it. Others feature architectural structures, inert matter standing witness to time overtaking existence. Lines become harder, restrictive. Overall, colour and saturation appear reduced and cooler, producing a shift towards calmness, and a subdued melancholy. It remains striking that our species tends to confront the only certain occurrence in life with dread. Freud offers little consolation, for his counterpart to Eros, Thanatos, represents the instinct toward self-destruction. This kind of intrinsic drive would surely equip us to welcome our end as we do our beginning. Or is the preoccupation part of the impulsive destruction?
In the end, it boils down to the question, is it all about nothing?
Looking at Galle’s works, his meticulous study of tradition and technique, sensitive palettes, diligent use of contour and the devoted engagement with scenes and subjects, point to a deep, almost anthropological commitment. His many depictions of nature and the humanimal draw from emotional states, capturing fleeting moments and immediate encounters, reflecting an acute awareness of time’s transience. This human endeavour to capture life begins at least sixty thousand years ago with Neanderthal cave painting and continues throughout recorded cultural history. The accumulated effort of our species to document, shape, and imagine the world has proven to be a remarkably effective way of crossing the barrier of time. We may know little, but what we do know about humanity comes largely through art and culture. Facing existence, the human instinct creates to stay alive. Octavio Paz once wrote, will for life is will for form; the first thing man did upon discovering he was mortal was to erect a tomb. In his sense, art begins with mortal consciousness, providing both a response and a medium. We die but we live with intensity, and what we create allows us to speak across time. We are born to care and create; art is our rebirth in the dialogue of history.
DE
Text: Evelina Rapti-Stavrou
Der Tod beginnt mit dem Leben.
Zum Sterben geboren – ist es alles um nichts?
In seiner gleichnamigen Einzelausstellung bei Suburbia Contemporary wendet sich Martin Galle den zwei Gewissheiten menschlicher Existenz zu: Leben und Tod. Über zwei Etagen hinweg widmet sich der Leipziger Maler dem Vertrauten und verwendet Motive wie Blumenstillleben und menschliche oder tierische Figuren, um ruhige, aber prägnante Reflexionen über die von ihm dargestellte Welt zu formulieren.
Neben seinen naturalistischen, sensibel gemalten Werken, die in der klassischen Tradition verwurzelt sind, schafft Galle auch Gemälde, in denen verschiedene Techniken und Stile aufeinandertreffen und verschmelzen. Etablierte malerische Vokabulare treffen auf zeitgenössische popkulturelle Referenzen und eröffnen Dialoge über Geschichte und Kultur hinweg. Mit anhaltender Aufmerksamkeit bewegt sich Galle zwischen der Beobachtung des Lebens und der Betrachtung des Todes durch Farbe und Linie und schafft Bilder, die taktile Weichheit mit disruptiven Kontrasten verbinden und eine kontinuierliche Auseinandersetzung mit Symbolik und Attributen offenbaren, die mit der Malertradition Leipzigs verbunden sind.
Blumenarrangements, insbesondere Rosen, ziehen sich durch das Erdgeschoss der Ausstellung. Üppig und farbenfroh, zugleich reglos, werden sie in gewöhnlichen Gefäßen wie Wodkagläsern und Dosen präsentiert, wodurch die Kompositionen im Alltäglichen verankert werden. Als langjährige kulturelle Symbole der Anziehungskraft fungieren Blumen hier als Zeichen von Vitalität und Erotik. In der psychoanalytischen Theorie, insbesondere bei Freud, wird Eros als grundlegender Trieb der menschlichen Existenz verstanden. Der klassizistische Begriff verweist auf die antike Gottheit der erotischen Liebe und verortet Begehren als schöpferische Kraft im Göttlichen, mit Rückbindung an die westliche Antike. In diesem Sinne spielt Galle auf Eros als Voraussetzung für das Leben selbst an. Einige Kompositionen sind vor einem reduzierten Hintergrund angeordnet, der an redaktionelle Fotografie erinnert, und positionieren Attraktivität innerhalb zeitgenössischer ästhetischer Gewohnheiten. Sowohl der Kontrast der Farben und Stile als auch die offensichtliche Ironie, das Leben durch die leuchtende Schönheit einer welkenden Blume zu zelebrieren, entfalten die wechselseitige Abhängigkeit von Existenz und Sterblichkeit.
Die beiden menschlichen Schicksale schließen sich praktisch gegenseitig aus; Sachen sind oder sind nicht. Innerhalb der menschlichen Erfahrung stehen sie in einer interessanten Beziehung zueinander. Empirisch können wir sagen, dass es meist die Lebenden sind, die sich um den Tod sorgen. Seine Unausweichlichkeit prägt unser Verständnis davon, was es bedeutet, lebendig zu sein.
Die Gemälde im oberen Teil der Ausstellung spiegeln Galles alltägliche Begegnungen mit der Sterblichkeit und seine Auseinandersetzung damit wider. Das vielleicht unmittelbarste Beispiel ist jenes eines toten Vogels, der in der Hand des Künstlers abgebildet wird. Das kleine Tier wirkt in seiner Regungslosigkeit noch verletzlicher und erinnert unweigerlich an die Zerbrechlichkeit der Existenz. Der unverblümte Realismus des Hintergrunds und die zärtliche Geste weichen von den traditionellen Konventionen des Stilllebens ab und suggerieren eine Art von Verbundenheit, die den leblosen Vogel durch Emotion zu einem Subjekt macht.
Einige Werke zeigen ruhende Tier- und Menschenfiguren, deren Gelassenheit im Schlaf an die Stille des Todes erinnert und ihn gleichzeitig vorwegnimmt. Andere zeigen architektonische Strukturen, leblose Materie, die Zeuge davon ist, wie die Zeit die Existenz überholt. Die Linien werden härter, restriktiver. Insgesamt wirken Farbe und Sättigung reduziert und kühler, was eine Verlagerung hin zu Ruhe und einer gedämpften Melancholie bewirkt. Es bleibt auffällig, dass unsere Spezies dazu neigt, dem einzigen sicheren Ereignis im Leben mit Furcht zu begegnen. Freud bietet wenig Trost, denn sein Gegenstück zu Eros, Thanatos, steht für den Instinkt zur Selbstzerstörung.
Die beiden menschlichen Bestimmungen sind faktisch nahezu gegenseitig ausschließend; ein Wesen ist oder ist nicht. Innerhalb der menschlichen Erfahrung jedoch stehen sie in einem komplexen Verhältnis. Empirisch lässt sich feststellen, dass es vor allem die Lebenden sind, die sich mit dem Tod beschäftigen. Seine Unvermeidlichkeit prägt unser Verständnis davon, was es bedeutet, zu leben.
Die Arbeiten im oberen Teil der Ausstellung reflektieren Galles alltägliche Begegnungen mit der Endlichkeit und deren gedanklicher Verarbeitung. Das wohl unmittelbarste Beispiel ist das Bild eines toten Vogels, der in der Hand des Künstlers liegt. Das kleine Wesen erscheint in seiner Regungslosigkeit noch verletzlicher und ruft unweigerlich die Fragilität des Lebens ins Bewusstsein. Der nüchterne Realismus des Hintergrunds und die zarte Geste lösen sich von klassischen Stilllebenkonventionen und deuten eine Form von Bindung an, die den leblosen Vogel durch Emotion zum Subjekt werden lässt.
Weitere Werke zeigen ruhende tierische und menschliche Figuren, deren Gelassenheit im Schlaf an die Stille des Todes erinnert und ihn zugleich vorwegnimmt. Andere thematisieren architektonische Strukturen – unbelebte Materie als Zeugin der Zeit, die über die Existenz hinweggeht. Die Linien werden härter, begrenzender. Insgesamt erscheinen Farbigkeit und Sättigung reduziert und kühler, was eine Verschiebung hin zu Ruhe und gedämpfter Melancholie erzeugt. Auffällig bleibt, dass der Mensch der einzigen Gewissheit des Lebens häufig mit Furcht begegnet. Freud bietet wenig Trost, denn sein Gegenpol zu Eros, Thanatos, bezeichnet den Trieb zur Selbstzerstörung. Ein solcher innerer Antrieb müsste uns eigentlich befähigen, das Ende ebenso zu begrüßen wie den Anfang. Oder ist gerade diese Fixierung Teil des impulsiven Zerstörens?
Am Ende verdichtet sich alles zu der Frage: Ist das alles um nichts?
Der Blick auf Galles Arbeiten, seine sorgfältige Auseinandersetzung mit Tradition und Technik, die sensiblen Farbpaletten, der präzise Umgang mit Kontur sowie die hingebungsvolle Beschäftigung mit Szenen und Motiven verweist auf ein tiefgehendes, beinahe anthropologisches Engagement. Seine zahlreichen Darstellungen von Natur und Lebewesen speisen sich aus emotionalen Zuständen, halten flüchtige Momente und unmittelbare Begegnungen fest und zeugen von einem ausgeprägten Bewusstsein für die Vergänglichkeit der Zeit. Dieses menschliche Bestreben, Leben festzuhalten, beginnt spätestens vor sechzigtausend Jahren mit den Höhlenmalereien der Neandertaler und setzt sich durch die gesamte überlieferte Kulturgeschichte fort.
Die kumulierte Anstrengung unserer Spezies, die Welt zu dokumentieren, zu imaginieren und zu erinnern, hat sich als bemerkenswert wirksame Form der Zeitüberschreitung erwiesen. Wir mögen wenig wissen, doch was wir über die Menschheit wissen, stammt zu großen Teilen aus Kunst und Kultur. Angesichts der Existenz schafft der menschliche Instinkt, um am Leben zu bleiben. Octavio Paz schrieb einst: „Der Wille zum Leben ist der Wille zur Form; das Erste, was der Mensch tat, als er seine Sterblichkeit erkannte, war, ein Grab zu errichten.“ In diesem Sinne beginnt Kunst mit dem Bewusstsein der Endlichkeit – als Antwort und als Medium zugleich. Wir sterben, doch wir leben mit Intensität, und das, was wir schaffen, spricht für uns über die Zeit hinweg. Wir werden geboren, um zu sorgen und zu schaffen; unsere Kunst ist unsere Wiedergeburt im Dialog der Geschichte.
